Hache se atreve a criticar

Paraíso Travel

2008-03-31T23:28:00.004-05:00

Pasado un rato de estar viendo la más reciente realización del director colombiano Simón Brand, me fijo en el tiempo transcurrido y me asombro de ver que estaba apenas en la mitad de la película. Y es que Paraíso Travel es sin duda extensa, demasiado extensa y no me refiero con esto a su duración, sino a los grandes problemas de ritmo de los cuales adolece.

El ofrecerle a Simón Brand dirigir este largometraje, responde quizás a la nueva moda de hacer de directores de videoclips y comerciales, realizadores de producciones cinematográficas de larga duración, y aunque en algunos casos a dado muy buenos resultados (Véase los filmes de Michel Gondry), el trabajo de Brand está lejos de ser elogiable.

Inicialmente lo vimos en su debut cinematográfico con Mentes en blanco que pese a ser un proyecto que inició después de Paraíso Travel, se estrenó primero. Aquí vimos a un director algo torpe, a quien claramente se le dificultó matizar su narración y que no supo sacar provecho de las secuencias y momentos de tensión dentro de una historia que de por si se presentaba como algo poco plausible.

Ahora, en su segundo trabajo, vemos nuevamente esta torpeza en su inconsistencia rítmica y en una clara dificultad por dejar a un lado una narración de videoclip en diversas secuencias las cuales, a su vez, son las de mejor ritmo, pero a cambio sacrifica la cohesión con el resto de la narrativa.

Ya habiendo destacado el mayor de los problemas de la película, se puede dar paso a hablar de otros aspectos como los personajes y los actores que los encarnan. Marlon, el personaje protagónico, carece de un buen desarrollo, es simple, aun peor, insípido. Pasa por la historia haciendo y viviendo infinidad de situaciones en su mayoría demasiado convenientes, vemos un sinnúmero de fragmentos aleatorios del día a día de este inmigrante ilegal, aspecto que ocupa la mayor parte de la película. Marlon cae, Marlon se levanta, Marlon cae de nuevo y al final Marlon se levanta orgulloso por haber “crecido”, la típica estructura de tres actos con un final glorioso, casi empalagoso, del héroe.

Por su parte Aldemar Correa, actor que interpreta a Marlon, presenta una expresividad tan simplona como la de su personaje, sin embargo no logro distinguir si esto es por la poca perfilación de Marlon o por que Correa en verdad carece de habilidades como actor.

El rol protagónico femenino, Reina, se presenta como retazos de una joven colegiala impulsiva, agresiva y coqueta, características que normalmente permitirían un desarrollo al menos medianamente interesante del personaje, pero no, como dije, se presenta a manera de retazos y bajo una sobreactuación casi insoportable de la actriz Angélica Blandón.

Sin embargo, son destacables los personajes secundarios de Jhon Leguizamo (Roger) y Margarita Rosa de Francisco (Raquel). El primero nos deleita con sus excentricidades artísticas y sexuales y su buen humor; con esa vibra de vivir la buena vida así esté en condiciones económicas precarias, además de una dificultad muy característica en su habla y cuenta con una muy buena interpretación de Leguizamo. El personaje de Margarita Rosa de Francisco, aunque caricaturesco, es bien definido en su alcoholismo y personalidad decadente, además de un maquillaje que genera verdadera repulsión, esto acompañado por una actuación agradable de la actriz colombiana.

También hay otros personajes secundarios que parecen presentarse para poder desarrollar la historia, pero que no aportan mayores elementos a la misma, ante todo el de Milagros, interpretado por la bella actriz mejicana Ana de la Reguera, quien al parecer debería tener mayor importancia dentro de la historia siendo la “salvación” personal del protagonista, pero que no se siente con mayor fuerza; es también un elemento que se presenta a manera de retazos sueltos.

Por demás, Paraíso Travel es una producción notablemente experimental, se siente a flor de piel como el trabajo de un primerizo del cual, por el momento, no se puede esperar mayores logros en este campo. Aunque cabe resaltar que posee un trabajo de fotografía agradable, ante todo adecuado, una muy buena banda sonora, una fascinante presentación de los créditos finales y en términos de producción es quizás el proyecto más grande y costoso llevado a cabo en lo que va del cine colombiano.

Pero creo que es este aspecto de la producción es lo que lleva a buena parte de la crítica y el público a afirmar que es un muy buen trabajo, pues lo analizan en términos comparativos con la historia fílmica de este país, ya que “Para ser cine colombiano no está nada mal”, pero eso es siempre una mera justificación que facilita la entrada y aceptación de la mediocridad.

Dear Frankie

2008-01-09T20:27:00.000-05:00

Otra película en donde se aborda el tema de la falta de un padre, otra en donde hablan del maltrato físico que sufren las mujeres por sus maridos y la disfuncionalidad familiar, otra película con todos estos tópicos y aún así, está muy lejos de ser mala.

“Querido Frankie” es el debút cinematográfico de la directora escocesa Shona Auerbach y de la guionista Andrea Giba. Inició en 1997 como un cortometraje de menos de quince minutos, pero desde ese entonces, la directora afirma haber quedado con la historia metida en su cabeza he hizo lo imposible por convertirlo en un largometraje.

La película resalta por su sencillez, por la humildad de una gran narración sin ninguna intención de ser pretenciosa, es lo que es y no intenta ser más. Es sincera, sin situaciones reforzadas pese a que se presta para ser exagerada con demasiada facilidad, como resulta con miles de producciones que se adhieren al dramatismo exacerbado y se hacen llamar a si mismas películas con corazón.

A diferencia de muchas películas de temática similar, “Querido Frankie” aborda estos temas tan dramáticos y crudos de la realidad desde una perspectiva optimista, huye de la tragedia, del cinismo muchas veces tan agobiante, del juicio moral y ofrece una mirada amable sin que por eso se pierda entre la melosería, en lo demasiado dulce y hostigante.

La narración es casi perfecta, si bien no es compleja en su forma o estructura, no se presta para ser previsible, el espectador esta constantemente a la expectativa de que sucederá a continuación, pero lo hace sin perder la calma, pues el ritmo de la película se presta para disfrutar de ella con pasividad, sin afán y ante todo sin aburrirse.

Sus personajes se van desarrollando a medida que transcurre la historia, permitiéndonos sentir empatía hacia cada uno de ellos. Frankie, el niño sordo que pese a sus limitaciones no permite mostrarse como un inadaptado. Lizzie, la madre dispuesta a hacer lo que sea por proteger su hijo. El desconocido de quien nunca sabemos nada, ni su nombre, pero logramos conocer su personalidad, su mente, su corazón.

El presupuesto de la producción fue tan solo de cinco millones de dólares, lo cual viene a demostrarnos que no se necesita grandes sumas para hacer grandes obras, tan solo entusiasmo, amor y ante todo una buena capacidad de narrar, actuar y componer, por que eso sí, su banda sonora es idílica, no solo por la diversidad de canciones que en ella se concentran, sino también su melodía central, un piano sencillo y hermoso. Perfecto.

Con esta historia de mentiras blancas nos adentramos en el mundo de personas reales mas no por eso menos interesantes, todo lo contrario, son películas sinceras como “Querido Frankie” las que nos recuerdan que la realidad es también muy interesante, sin necesidad de forzarla y convertirla en tragedia o comedia shakesperiana, nos recuerda incluso que lo real, lo sincero puede ser aun mucho más impactante, mucho más memorable.

The Woodsman (El Leñador)

2007-12-10T14:13:00.000-05:00

Alguna vez escuche decir a un critico colombiano que criticar una película que nos resulta mala es supremamente más fácil que criticar aquella que en verdad nos ha cautivado.

En esta ocasión, como en algunas otras, me encuentro ante esta innegable afirmación, pues al ver “The Woodsman”, termino con un gran deseo de hablar sobre ella, de escribir y poner en palabras lo maravillado que quedé al ver una opera prima de semejante calidad, pero sin saber como iniciar.

La producción es del 2004 y es el primer trabajo como directora de Nicole Kassell, quien también tuvo su participación en el guión de la misma. El film es la adapatación de la obra de teatro del mismo nombre de Steven Fetcher, quien trabajo al lado de Kassell en la creación del guión.

El film trata un tema un tanto escabroso, bastante delicado y que pocas veces ha sido retratado en el cine o en cualquier medio en general, y es que un tópico relacionado con abusos infantiles no suele ser algo que muchos productores o directores entre otros busquen tocar, pues de entrada tiene un rechazo casi unánime por parte de un buen porcentaje del público, de ahí que resulta sorprendente el que este sea el tema de una opera prima.

Pero a diferencia de otras narraciones en este caso vemos una alta dosis de sinceridad, la directora claramente no ha buscado ubicarse en una posición acusatoria sobre esta clase de actos, se mantiene en la frontera del moralismo sin caer por ello en una especie de defensa del personaje protagónico Walter, interpretado magistralmente por un Kevin Bacon bastante maduro en su profesión.

Su estructura narrativa es sencilla, mas no por eso simple. Es de ritmo pausado, decisión muy pertinente para contar esta historia centrada por completo en el desarrollo de sus personajes, y es precisamente este ritmo el que nos permite acercarnos más al humanismo de Walter, al humanismo de esa batalla personal que enfrenta en su día a día, así como nos permite acercarnos y encontrar simpatía en su “novia” Vickie, quien bajo su actitud ruda esconde, al igual que Walter, sus propios secretos del pasado.

No se encuentran buenos muy buenos, ni malos completamente malos. No, nos enfrentamos a humanos defectuosos, que intentan mejorar y aun así al final no hallamos respuesta alguna, no encontramos una posición acusatoria en ningún sentido, ni se redimen del todo en sus actos, solo continúan, pero con un halito de esperanza mayor que el existente al inicio de la historia.

Es aquí donde se concentra la majestuosidad de esta obra, en lo muy fácil que es encontrarnos de algún modo u otro simpatizando con aquel con quien no se suele simpatizar, en otros términos, y parafraseando, nos situamos con facilidad en lo zapatos del otro y entonces, al igual que su directora, no los juzgamos, simplemente deseamos lo mejor para ellos.

Y al acabarse la película, quedamos con una sensación un tanto desoladora, pero del mismo modo quedamos también con un halito de esperanza y con un gusto enorme de haber visto un muy buen primer largometraje de una directora que nos recuerda que incluso las primeras veces pueden estar a la altura de aquellas producciones a cargo de los mas experimentados directores.

Orgullo y prejuicio

2006-07-24T17:00:00.000-05:00

En cuanto aparece en la cartelera de cine una película adaptada de un libro de Jane Austin sobre una historia de amor ubicada en tiempos de duques y duquesas, mansiones y bailes, adornada con la coquetería de cinco hermanas que ríen entre dientes por cualquier bobada u hombre (que es a veces lo mismo) que se les presenta frente a sus narices, resulta inevitable predisponerse y esperar muy poco de ella.

Y es que no hay nada peor, nada mas decepcionante, que esperar mucho de una película y sentarse en la sala de cine para descubrir lo pésima que resulta, sin embargo el efecto contrario, aquel que resulta de esperar muy poco de algo que termina por ser excelente, es también grandioso, e incluso, a veces, mejor, pues te coge por sorpresa, tal como me sucedió con “Orgullo y Prejuicio” del debutante Joe Wright.

Con tan solo la primera escena, con los rayos del sol despertando y asomándose entre las ramas de un hermoso paisaje londinense, la película te prepara para un despliegue técnico muy bien elaborado, te prepara para una fotografía hermosa que hace provecho de los panorámicos paisajes del campo londinense, un manejo de cámara espectacular, acompañado también de una muy bella banda sonora y excelentes interpretaciones.

Algunos han osado compararla con “Sense and sensibility” (Sensatez y sentimientos) de Ang Lee, pero a mi juicio es esta una comparación inadecuada, siendo la película de Joe Wright muy superior. En ella este director nos demuestra que no por ser una primera vez, se debe ser mediocre, aquellas expresiones como “Pues para ser la primera…” son meras justificaciones de un producto carente de calidad, y producciones como estas demuestran que las primeras veces pueden ser tan bien logradas como aquellos que han obtenido años y años de experiencia.

Alguna vez escuche a un director afirmar que “Cualquiera puede dirigir una película, si tienes un buen fotógrafo y un buen sonidista, ellos te harán la película por ti” y en cierta medida está en lo cierto, sin embargo eso no elimina una muy buena laborar de dirección en caso de presentarse. Y es que Wright demuestra claramente haber sabido desde un inicio que buscaba en cada uno de sus planos.

Pero lo más memorable, en cuanto a logros técnicos y narrativos, son los múltiples planos secuencia que se emplearon, siendo el primero, aquel que se presenta en la noche del primer baile, con una duración de diez minutos aproximadamente, en la que se entrecruzan múltiples personajes en un sin fin de situaciones, es todo un logro, e impresiona que sea producto de un “novato”.

Factores de esta índole le impregnan a la narración un ritmo exquisito, es una verdadera delicia presenciar esta película, sentarse a ser entretenido con imágenes bellísimas, con una composición muy detallada; dejarse llevar de la mano y vivir una historia de amor que a su vez deja espacio para una alta dosis de risas, planos largos cuando deben serlos, calma cuando se necesita, velocidad cuando se hace necesaria, es simplemente narrada de manera magistral.
En este punto sería casi una blasfemia no hablar del desarrollo de los personajes y las excelentes interpretaciones de los actores y actrices.

En cuanto a lo primero, pues es innegable la fuerza de Elizabeth, personaje principal interpretado con gran genialidad por la bellísima Kiera Knightley, quien interpreta una chica inteligente, fuerte, astuta y muy desenvuelta en medio de una sociedad machista por excelencia y una época de alcurnia exacerbada. Una chica decidida que tiene muy claro que busca y de que huye, sin caer en el cliché de heroína norteamericana que resulta como ejemplo a seguir. Por su parte la señorita Knightley realiza también su labor que hace sentir que ella es también así, su interpretación es muy creíble, lo suficiente para sufrir por y con ella.

Por su parte el actor Matthew Macfadyen, quien interpreta a Kent Darcy, realiza una interpretación digna de realizar junto a su coestrella. Su personaje es una sutil mezcla entre la amargura y la pasión y tiene gran fuerza en cuanto entra a escena, ya sea en medio de una discusión o en medios de conversas que producen risas y sonrisas por la astucia de sus diálogos.

Pero el mayor de los aciertos de esta película, radica en la excelente decisión directoral de concentrarse por completo en los personajes principales, sino también cargar a los secundarios de una importancia tal, que por momentos, son quienes importan. Es muy acertado el brindarle una historia personal a cada uno de los participes de esta historia, las hermanas, los padres, las amigas e incluso los aparecidos tienen su historia por contar y lo hacen bien hecho.

Las hermana, simplemente excelentes, en especial Penélope Wilton, quien interpreta a Jane, la segunda de las hermanas, quien prácticamente tiene una historia tan primordial como la de la protagonista. La madre de las cinco es sumamente graciosa, y aunque a veces cae en el cliché de mujer senil en búsqueda de plata a través de matrimonios por conveniencia, no resulta desagradable; y por ultimo encontramos a un magistral Donald Sutherland haciendo las veces de padre comprensivo, inteligente y muy calmado.

Orgullo y Prejuicio sorprende, atrapa al espectador de manera desprevenida y lo lleva a través de una historia de gran deleite, si bien es una típica historia romántica cuyo desenlace se prevee con gran facilidad y quizás se halla visto ya demasiadas veces, no importa, pues son película s como estas que nos recuerdan que no importa cuantas veces escuches una misma historia, no importa que tan bien se conozca, siempre y cuando sepan contártela bien contada, con clase, con gracia, con pasión y amor y Orgullo y Prejuicio y reúne cada uno de estos elementos de la manera mas agraciada posible.

Nota: Cabe aclarar que el modo en que disfrute de esta película quizás me halla opacado un poco una posición critica de la misma, pero a veces basta con disfrutar de una cinta sin importar que tan buena o mala realmente sea.

El código Da Vinci

2006-07-12T16:04:00.000-05:00

En estados Unidos fue un éxito de taquilla, esto debido, a mi juicio, a la gran estrategia publicitaria que la iglesia brindó a la película con o sin intención, pues al afirmar en público que era una herejía, una blasfemia y que sus realizadores y colaboradores deberían ser excomulgados de la iglesia católica, era previsible que las salas de teatro se llenarían por el simple hecho de saber a que se debía tanto alboroto.

Sin embargo, en Latinoamérica el éxito de la película jamás existió, tampoco fue un total fracaso, simplemente fue una más de muchas producciones extranjeras que llegan este sector del mundo. En Colombia fue solo una película más, tanto así que la segunda parte de La Era del Hielo la superó con creces en taquilla.

Sin embargo había que ir a verla y lo hice y en cuanto salí entendí a la perfección el poco impacto de la película.

Dejo en claro que no está mal hecha, todo lo contrario, es muy bien realizada, muy limpia en su registro, en su producción, como todo lo que hace Ron Howard que es uno mas de los muchos directores norteamericanos que optan por lo seguro; el problema radica es en lo común, en lo demasiado típica que resulta la narración de esta película que más que herejía parece un discurso religioso plagado de acción.

Eso es el Código Da Vinci, una película de acción con misterios y acciones detectivescas que resultan demasiado elaboradas para ser creíbles. Su extensísima duración de dos horas con cuarenta minutos, sin lugar a dudas, se siente demasiado pesada y la excesiva aparición de personajes que se presentan al parecer sin mayor motivación que la de complejizar la trama, es muy agobiante.

La película tiene muchos logros visuales, hay tratamientos que el director decide hacer a sus imágenes que impactan, agradan, pero no parecen aportar mucho al desarrollo de la misma e incluso, aveces, por bien hechas que resulten, no se mantienen en concordancia con el resto de la producción.

En cuanto a las actuaciones pues, me permito despotricar de Audrey Tautou (Amelie), quien quizás debió quedarse en Francia con buenos directores e interpretando personajes lindos y a veces empalagosos, lo mismo digo de Jean Reno a quien siempre recordaremos por su excelente actuación en El perfecto asesino y su total fracaso en Godzilla.

En cuanto a Tom Hanks, pues, no se niega su excelente histrionismo, pero a veces (muchas) le falla el criterio y su tenacidad se esconde en la escogencia de sus papeles, en esta ocasión, como en muchas otras, es simplemente normal, nada memorable.

A quienes si se rescata es a Paul Betany (El monje) quien encarna muy bien el drama de un fanático religioso en servicio del Opus Dei y al inolvidable Ian Mckelen, reconocido ante todo por su interpretación de Gandalf en la trilogía épica de Meter Jackson. Es innegable que excelente interpretación de Mckelen hace en esta producción, la energía con la que carga la pantalla es incomparable eclipsando por completo a sus “iguales”.

Por demás, la película es simplemente una más de una extenso listado de producciones olvidables, es demasiado extensa y parece de nunca acabar, digna del libro del cual surgió y en cuanto a los “escándalos religiosos” pues eso radica en la mente de cada espectador, quien verá si lo considera plausible o no.

Puede ser vista como una apología al entramado muy elaborado y cargado de acción del libro, pero del mismo modo puede ser visto como una exaltación de todos los baches y errores de la novela, en otras palabras y citando a Kirk Honeycutt -The Hollywood Reporter- quien ya ha dicho lo mismo y de una mejor manera, “lo que ves depende de lo que creas. Algo así como la religión en sí misma”.

C R A S H

2006-06-12T17:08:00.000-05:00

Hace aproximadamente un año, Clint Eastwood arrasó nuevamente en taquilla con su producción “Million Dollar Baby” (Golpes del destino). Este trabajo ganó cuatro Oscars de los siete a los cuales estuvo nominado. Entre dichas nominaciones se hallaba la de mejor Guión adaptado, el cual, de haber sido ganado, le sería otorgado a un nombre aun poco conocido, quizás destacado más por sus trabajos en televisión como “Texas Ranger” protagonizada por Chuck Norris. Me refiero al ahora muy reconocido Paul Haggis.

Crash es la opera prima como director de este cineasta estadounidense. Si bien, fue muy reconocido por su trabajo en Golpes del Destino, a mi parecer era de esperarse que alguien que escribiera un guión como ese sacara una película como CRASH, digna de las mil y un gringadas tildadas como maravillas del séptimo arte.

En términos de producción no se puede negar la gran labor realizada, al fin y al cabo el registro visual de la película es excelente y posee una fotografía y una cámara digna de una producción norteamericana que poco falla en sus aspectos técnicos, pero también es digna de ser norteamericana por sus pretensiones absurdas y desbordadas.

En cuanto inicia no falla en atrapar al espectador con un excelente dialogo o monólogo del actor Don Cheadle, “Es el sentido del tacto… quizás extrañamos ese sentido tanto, que colisionamos uno contra el otro por el simple hecho de sentir algo”; rápidamente pasamos a otro discurso, pero sobre el racismo y es este el punto de partida del resto de la trama, o mas bien el concepto que atraviesa a toda la película.

Desde el momento en que salen dos personajes de raza negra despotricando sobre el servicio que han recibido en un restaurante y otorgándole motivos racistas, la película va cuesta abajo saturando al espectador de lo mismo una y otra vez, prácticamente obligándolo a pensar del mismo modo y no permitiéndole respirar si quiera un poco.

La trama brilla por su pretensión y ante todo por lo demasiado conveniente que resultan las diferentes situaciones para el desarrollo de la historia. Simplemente es demasiado forzado, no es en absoluto creíble y ante todo satura, colma cualquier nivel de paciencia para salir de la sala con una sensación de hastío ante semejantes discurso tan cliché, quizás cierto, pero entonces la forma en que lo realizan simplemente padece de muy poca originalidad y demasiado odio como para ser respetado.

Lo más interesante es como Paul Haggis, en su travesía de criticar el racismo, termina creando un discurso excesivamente racista. Ninguno de los personajes que pierden el control son blancos norteamericanos. Tan solo los de personajes de color y los inmigrantes son quienes gritan, sacan pistolas de repente, causan estragos etc. Y curiosamente el único personaje que logra reivindicarse de sus actos es el policía blanco.

Sin embargo, es también innegable diferentes logros alcanzados en secuencias como las del accidente y la de la niña latina en brazos de su padre. Secuencias que funcionan solas por desgracia apara la película, un tanto efectistas, pero muy efectivas y que realmente conmocionan.
Por demás, destacando además la actuación de Matt Dillon que a decir verdad me sorprendió y la de la hermosa Thandie Newton, CRASH es una película que molesta, que abusa de lo mismo una y otra vez y exagera las situaciones según convenga para el director, quien claramente no se desenvuelve bien en la resolución de una trama que no posee un terreno sólido, o al menos no lo suficiente como para ser creíble.

CAPOTE

2006-06-09T11:36:00.000-05:00

Ya han pasado poco más de tres meses desde que se llevó a cabo la ceremonia de los Oscar. Muchas de las cintas que en ese entonces brillaron por su nombramiento en dicho evento, ya han sido olvidadas o son recordadas como cosa del pasado y nada más. Sin embargo, hay lugares, como Popayán, donde muchas de esas cintas recién serán estrenadas, como es el caso de Crash, Brokeback Mountain y Capote.

Ya he mencionado en reiteradas ocasiones como los OSCAR son un simple voto de simpatía cuyo verdadero significado radica en lo comerciable de un producto y poco en su valor artístico. Imagino que esperarán que en este caso, en el que me compete hablar de Capote de Bennett Millar, me resulte como la excepción de la regla, pero a decir verdad no lo creo. Capote es una película merecedora de sus respectivas menciones en los OSCAR.

De entrada es justo decir que no es una película de baja calidad artística, que no es “mala” y que vale la pena entrar a las salas de cine a verla, pero creo que es también justo decir que esta producción no marcará en absoluto un hito, una época, no. Capote será simplemente una película más, recordada quizás por la actuación más reconocida de Phillip Seymour Hoffman.

En esta producción no encontramos la mejor y más grande propuesta de novedad en su narración, en eso es muy sencilla. No encontramos la más grandiosa dirección de un hombre visionario, ni tampoco nos topamos con nuevos conceptos fílmicos que nos desvían la mirada a un futuro incierto pero atractivo del cine. Nada de eso, simplemente es una película sencilla.

Pero cabe resaltar que lo sencillo no es malo, al contrario, muchas veces es la mejor característica de una obra, pero en este caso lo sencillo es simplemente eso, sencillo, no es un elemento de gran belleza y de sinceridad con el público, es simplemente una característica de la película y nada más.

Miller no se arriesga en su obra, opta claramente por jugársela “por lo seguro”, que no es necesariamente algo errado, pero tampoco es lo más atractivo, menos aun si consideramos que nos encontramos en una época en donde se especula que ya todo ha sido creado, con más razón debe el arte y el artista proponer, en lugar de repetir las formulas seguras, las que garantizan un éxito.

Obviamente estoy obligado a mencionar la actuación del actor principal Phillip Seymour Hoffman, pues con tanto revuelo que con ella se ha dado, sería demasiado extraño no hablar de ella en esta columna.

Y es que Hoffman demuestra por enésima vez que es un gran actor, lo único que me molesta de este reconocimiento es que lo hacen y resaltan como si fuese un primerizo, como si su aparición en la pantalla grande no fuera ya cosa de años.

En su interpretación de Capote sin duda logra destacar lo mejor de su capacidad actoral y sin duda merecía el reconocimiento que obtuvo con ello, pero no por ello se debe opacar anteriores actuaciones de Hoffman quien junto a John C. Reilly y William H. Macy lo considero como uno de los mejores actores que suelen interpretar papeles secundarios, aquellos roles que sin ser protagónicos, son esenciales y le dan vida a la película.

Este genio de la actuación ya había resaltado ante mis ojos hace nueve años con su papel de gordo, aberrante e incomprendido en la polémica “Happiness” (Felicidad) de Todd Solondz, o en “Nadie es perfecto” en donde interpretó su segundo rol de homosexual junto a Robert Deniro, siendo “Boogie Nights” de P. T. Anderson la primera película en donde interpretó un personaje de esta índole y que fue precedida por la obra maestra del mismo director “Magnolia” en donde Hoffman brilla nuevamente, como solo él y otros pocos saben hacerlo.

Ya en Capote, Hoffman es reconocido de manera “masiva”, ya no es uno más del reparto sino que es la película misma. El, todo el y nadie mas que el hacen de Capote una obra digna de un autor reconocido en la historia como uno de los mas grandes e importantes del siglo XX. Sus movimientos amanerados, la colocación sutil de una mano sobre la otra mientras cruza las piernas, su voz e incluso la manera de mover los labios y parpadear, todo en su interpretación se acerca mucho (demasiado), según dicen, al verdadero y ya no tan único Truman Capote.

Es triste quizás que este personaje opaque tanto al interpretado por la excelente actriz Catherine Kinear: Harper Lee y más doloroso resulta como un actor de la talla de Chris Cooper queda relegado casi al olvido en su papel de jefe de policía.

Por lo demás Capote es sin duda una película más del amplio listado de películas norteamericanas que no dan, ni quitan. Capote es lo que es y nada más. Sirve para el momento, para verla y quizás recordarla, pero eso si, venerarla nunca.

A Sangre Viva

2006-05-31T17:17:00.000-05:00

Es común que cada año, se celebre en Popayán uno de los festivales de cine más reconocidos en el país: Eurocine. En esta, su décimo segunda versión, llega por vez primera a esta ciudad una selección digna de ser vista, de celebrarse; una selección de películas que sí hacen de este festival uno de los mejores y mas importantes festivales de cine europeo en Colombia.

A diferencia de ocasiones pasadas, Eurocine 2006 nos trae una considerable variedad de producciones de diversos países; ya no se concentraron en traer ante todo cine español, como en el 2005 y años anteriores a ese, sino que también encontramos cine francés, italiano, danés, inglés e incluso dos producciones DOGMA, de ahí que anoche se inauguró el festival con la película “A sangre viva” del director italiano Edoardo Winspeare.

Galardonado con el premio a mejor director en el festival de San Sebastián, Winspeare nos brinda un apasionado relato de familia, de sangre, de seres opuestos pero afectados por una misma crisis que luchan por sobrevivir y enfrentar los problemas a su manera, así eso signifique morir en el proceso.

En la película “A sangre viva”, nos enfrentamos a la fuerza de la sangre y lo que ella representa en el núcleo de una humilde familia al sur de Italia. Dos hermanos separados por la trágica muerte de su padre, amores posibles transformados en imposibles, drogas, narcotráfico, matrimonio y ante todo música, música en cantidades desbordantes y de una belleza digna de ser escuchada, digna de ser palpada, sufrida, alabada.

Winspeare no intenta realizar una obra de proporciones colosales, se mantiene en la humildad de la sociedad que retrata, un pueblo pequeño, humilde, que lucha por salir adelante en una situación económica no muy favorable. El director sabe que debe concentrarse en su narración y no en asombrar con juegos visuales, es sincero a la historia y de ahí que es sincero con el público. Se mantiene siempre al margen de lo pretencioso, pero no por ello carece de fuerza en su narración.

El proceso que vive el espectador al enfrentarse a esta película es comparable a una montaña rusa construida con una sola gran subida, sin bajada, pero tensionando poco a poco a la espera de qué vendrá después. Y es que el ritmo de la película es increíblemente acertado, espectacular. Inicia suave, lento, como la calma perfecta justo antes de la tormenta y se encamina directo, sin pausa pero sin prisa, hacia el corazón de dicha tormenta.

Junto a la música, se va desarrollando la historia, incrementando su velocidad, su ritmo cada vez mas acelerado, pero sin nunca saturar o agotar. Es como un dulce y perfecto baile de un tango arrabalero que se mueve cuando debe moverse y se detiene cuando debe hacerlo.

Todo es acertado, sus espacios de tranquilidad en el momento debido, sus momentos acelerados justo cuando deben acelerarse, las actuaciones mejorando gradualmente junto al paso de la historia, la música siempre presente en compás de la narración y un final que surge de manera inesperada, pero a la vez un tanto sospechado, un tanto cruel pero ante todo sumamente bello.

Being Julia

2005-09-27T01:23:00.000-05:00

Siempre he considerado que una de las peores experiencias que uno puede tener como cinéfilo, es generar mucha expectativa de una película y salir defraudado de ella, sin embargo, uno de las mejores experiencias es esperar muy poco de una producción que al verla resulta siendo mucho mejor de lo que se tenía en mente, tal como me sucedió con Being Julia.

Debo empezar aclarando que la película no es en absoluto una obra maestra, que está sumamente lejos de serlo, mas no por eso se debe pensar que es una producción regular, al contrario, es muy buena, simplemente, a mi parecer, la obra muestra claras intenciones de no buscar ser “genial”, pone muy en claro que es una historia simple, con una narración simple, sobre una personaje bellamente elaborado.

A Colombia llegó bajo el nombre terrible e incluso ridículo de “Julia: Una mujer seductora”, (sigo cuestionándome sobre por qué diablos en este país, (quizás en Latinoamérica en general) suelen cambiarle los nombres a las películas por unos títulos absurdos como este) pero la traducción precisa del nombre sería “Siendo Julia”, mucho más pertinente y preciso, ya que la película es básicamente eso: Nos narra, explica e incluso nos hace sentir como es SER JULIA.

Todo, absolutamente todo en la producción gira en función de este personaje y se sobreentiende que esa, precisamente, ha sido la intención de su director István Szabó y del guionista Ronald Harwood, a quien se le reconoce principalmente por crear el guión de la película ganadora de varios Oscar “El pianista”.

Julia encarna el sueño de toda persona, no solo de mujeres, sino de todo aquel que alguna vez haya deseado realizar la más elaborada venganza contra aquellos que alguna vez la causaron algún daño.

Ahora bien, cabe aclarar que eso no pone a este personaje en la cima de lo angelical y la beatitud, al contrario, uno de los mayores apelativos de Julia es que es tan perversa como aquellos contra quienes elabora su plan, incluso, muestra ser mucho peor y no por eso termina perdiendo, cual villano típico de historia cliché que debe pagar por cada uno de sus actos malvados. En esta película todos son malos, o mejor aún, todos son simplemente personas maliciosas tratando de sacarle la ventaja a la vida, compitiendo entre ellos, para ver quien termina con la fama y la fortuna.

Y es eso; una película que levanta el ánimo, que te hace pensar “Que chimba hacer algo así” y que te hace sentir que es posible hacerlo, aunque en el fondo sabemos no tener las agallas para ello.

Pero, sobre todas las cosas de esta producción, se hace obligatorio resaltar lo que a mi parecer ha sido una de las actuaciones verdaderamente magistrales del año, incluso, quizás una de las mejor logradas de esta década que aún no concluye; con este personaje Annette Benning ha confirmado ser una de las mas grandes actrices de esta generación.

Quizás es una desgracia que su papel e interpretación logra opacar a los demás que no son para nada malos, en especial a Jeremy Irons que pese a su maestría en la actuación, queda relegado a un segundo e incluso un tercer plano, pero, como ya afirmé antes, la obra en su totalidad gira en función de la protagonista, todo lo que en la película se encuentra, todo lo que rodea a esta mujer, existe para reforzar la casi perfecta elaboración de una personaje complejo y por eso creíble, de una dama de carácter inigualable, talento inimaginable y de una risa sumamente contagiosa. Un personaje cuya interpretación no podría ser llevada a cabo por otra persona que no fuera Annette Benning, a quien no le dieron el Oscar simplemente por que a una actuación tan memorable, no se le debe otorgar una estatuilla tan cargada de intereses y falacias, no señores, se merece mucho más y quizás con el tiempo lo veamos… eso espero.

Zatoichi

2005-09-08T12:07:00.000-05:00

Para sorpresa de algunos, desde 1962 se vienen realizando distintas versiones (para cine y televisión) de la historia de este personaje legendario de la cultura japonesa, incluso en estado unidos realizaron una versión (muy a su estilo), con un Rutger Hauer desgastado, llamada “Justicia ciega”. En esta ocasión el aclamado director Takeshi Kitano nos trae su visión de esta historia que se mezcla entre el melodrama, el humor y la acción desacerbada.

La película nos narra la historia de un samurai ciego que llega a un pueblo que se encuentra bajo el dominio de una banda de villanos comandada por el malvado Ginzo, que a cambio de no causarles daños a los habitantes del lugar, exige que se le pague una cuota diaria, cual malvado sheriff de Nottingham en Robin Hood.. Estando ahí conoce a Shinkichi, un adicto a los juegos de azar y a las hermanas Okinu y Osei, dos geishas en busca de los asesinos de sus padres, quienes, sin saberlo, han encontrado su paradero. Para fortuna de ellas, y del resto del pueblo, la llegada de Zatoichi significa el final del reino de terror de Ginzo y su banda de villanos.

Es la onceava película de Kitano, quien desde hace mucho es considerado uno de los mejores directores contemporáneos y ha sido comparado con maestros tales como Akira Kurosawa. En esta nueva versión del samurai ciego, Kitano nos presenta una nueva faceta de si mismo.

Si bien, la película en una primera instancia parece pertenecer al género de acción, no tarda en presentarnos su aspecto humorístico brillantemente representado en el personaje de Shinkichi (Interpretado maravillosamente por el actor Guadalcanal Taka), pero del mismo modo, rápidamente pasa a un tratamiento dramático en cuanto entran a la historia las hermanas Osei y Okinu (Daigoro Tachibana y Yuko Daike respectivamente)

Aunque la producción en su totalidad es en si una obra maestra, me resulta necesario resaltar algunos aspectos muy puntuales de la misma, como lo son el manejo de las subtramas y el elemento musical de la obra.

En cuanto al primer aspecto, es muy palpable y evidente la trágica historia de las hermanas Geishas, en especial la de Osei quien se convierte, por fuerza mayor, en travesti (cabe aclarar que con esto no estoy diciendo que el travestismo sea una tragedia). Son dos personajes maravillosos y sumamente bien elaborados, (incluso me atrevería a decir que son mejor elaborados que el personaje protagónico) y es justamente en el baile de Osei en donde Takeshi Kitano desarrolla el fragmento mas hermoso de la película, al superponer muy fluidamente las imágenes de Osei ya adulto, con las del mismo personaje cuando niño.

Pero no es esta la única subtrama a destacar, también se encuentra la del guardaespaldas de Ginzo y su esposa afligida por una enfermedad no determinada. Aquí vemos a un hombre que, a falta de dinero para cuidar de su esposa, se ve obligado a ofrecerse como el protector de Ginzo y de su clan. Hattori (Tadanobu Asano), quien al parecer se había retirado de su labor como asesino a sueldo, no encuentra otra salida que volver a matar a gente inocente. Este es un personaje de gran profundidad, en donde, pese a su decisión, mantiene su honor intacto, no por ser un guardaespaldas es un mal hombre, es simplemente una gran persona, un gran samurai en una situación desesperada.

En este aspecto presenciamos el mayor romanticismo oriental de la historia, no solo con este personaje, sino también (quizás en especial) con el de su esposa, quien decide dejar de vivir antes que vivir sin el amor de su esposo.

Por último, es innegable el acierto tan grande de Takeshi Kitano al incluir en su historia un aspecto musical. Es sumamente divertido, mejor aún, sumamente emocionante. En el realiza una especie de mezcla entre la tradición japonesa y su cultura ancestral, con el baile moderno, siendo específico, con el “claqué” o mejor conocido como “Tap Dance”. Kitano toma un riesgo de caer en una especie de parche sin sentido, pero afortunadamente, como es de esperarse, logra salir avante y con la cabeza bien en alto, al fin y al cabo, “quien no arriesga en grande, no gana en grande”, y con esta producción Takeshi Kitano a demostrado una vez más, (cómo si fuese necesario) que su talento, su ingenio y versatilidad, son únicos e inigualables, ha demostrado ser verdaderamente grande.

Eterno brillo del sol de una mente inmaculda

2005-08-08T10:58:00.000-05:00

A colombia llegó con el nombre "Eterno resplandor" y es la última película escrita por Charlie Kauffman cuyos trabajos anteriores son muy reconocidos, trabajos tales como "En la cabeza de Jhon malkovich", que también llegó bajo el nombre de "Quién quiere ser Jhon Malkovich", y"El ladrón de orquideas". Estas dos producciones muestran un excelente trabajo tanto de dirección (en ambos casos Spike Jonze) como de guión. Existe también un tercer trabajo de este escritor que fue llevado a la pantalla grande por el actor George Clooney "Confesiones de una mente peligrosa", este debut directoral de Clooney resulta siendo bastante bueno y muy interesante.

En esta ocasión, Kaufman se reunió con el director Michel Gondry, a quién se le conoce en especial por dirigir diferentes videos de Bjork, sin embargo, contrario a lo que muchos creen, esta es la segunda producción audiovisual de este director quien debuto en la pantalla grande con "Human Nature" (Naturaleza humana) también junto a Charlie Kauffman. En este trabajo, la propuesta direccional del Gondry es de gran calidad, parece haber encontrado el punto medio, en el que se mezcla un tratamiento muy elaborado de la imagen y al mismo tiempo un tratamiento no tan elaborado, lo cual es un factor que me resulta algo compeljo de explicar.

Eterno resplandor es una realización algo intrincada, con una excelente actuación de Kate Winslet e incluso de Jim Carrey que no se vé para nada mal, ni payaso como solemos verlo. (A esto quisiera añadir que no es la primera película "Seria" de Carrey, y que a mi parecer es la segunda vez en donde lo veo actuando muy bien; la primera es una película llamada "El mundo de Andy Kaufman" o "un hombre en la luna") Posee una gran banda sonora, excelente efectos, en su maypria visuales, pero ante todo, esta película resalta por su excelente guión.

El guionista de la pelicula ha logrado generar un fenómeno nunca antes visto en la historia del cine, con esto me refiero a la existencia de un gran numero de seguidores de sus trabajos lo cual no suele ser muy común en cuanto de guionistas se refiere. Solemos ver fans o grupos de seguidores de algunos directores, fans de actores y actrices, pero nunca antes un guionista había gozado de la fama que Charlie Kauffman ha obtenido.

Nominado tres veces al Oscar por mejor guion, y ganador de la estatuilla por este trabajo, Kauffman nos ofrece nuevamente una manera original de contar una historia, que en este caso es sumamente común, en otras palabras, como leí en alguna ocasión en un artículo sobre esta película "No hay nada más original que narrar la típica historia de amor", con Charlie Kauffman a cargo de la escritura, esta afirmación resulta increiblemente cierta.

Eterno resplandor es un viaje de lo más de absurdo a través de la mente de una persona quien, como muchos de nosotros, desea olvidar, pero nos recuerda, a través de personajes muy excentricos y otros muy intorvertidos (el empleo de personajes opuestos es una caracterísitca muy recurrente en este escritor), que no siempre el olvido es bueno, que hay cosas que incluso deseamos y debemos recordar, aunque creamos o más bien sintamos lo contrario; me hace pensar en una frase que alguna vez
escuché: "El tiempo purifica todos los recuerdos".

Y es cierto. Con el tiempo, hasta los recuerdos menos agraciados de nuestras vida se tornan en algo bueno, o al menos en algo útil y a mi parecer la película gira entorno a esta idea y nos recuerda que al olvidar ciertas cosas olvidamos también una parte de nosotros mismos.

ONDSKAN

2005-08-03T11:49:00.000-05:00

Erik Ponti, un joven de dieciséis años cuya vida familiar se encuentra plagada de violencia a causa de un padrastro que lo golpea y, en ocasiones, también golpea a su madre. Erik, viéndose incapaz de agredir a su padrastro, suele desahogarse de manera violenta con los demás, razón por la cual ha sido rechazado por parte de cada una de las escuelas que se encuentran en su ciudad y por la misma razón, su madre lo envía a la escuela privada Stärnsberg.

“Ondskan” o “Solo contra sí mismo” (Peculiar nombre con el que llegó la película a Colombia) es la segunda película del director sueco Mikael Häfstrom y es la adaptación del libro homónimo de Jan Guillou. Pese a que el libro es una obra autobiográfica su historia, o la presentada en la versión cinematográfica, es poco convincente y bastante común.

En cuanto Erik Ponti llega a la escuela, descubre que ahí, quienes mandan, son los alumnos de sexto de bachillerato y que lo hacen de manera severa y sumamente injusta. Entonces es cuando inicia el gran drama de Erik, quien pese a mostrarse en un principio como un joven agresivo e impulsivo ante la más mínima agresión, ahora, pasado apenas quince minutos de la película y sin ninguna razón aparente, se ha convertido en alguien que busca estar tranquilo y sin problemas.

Con bromas pesadas, maltratos físicos y humillaciones severas, los alumnos de sexto controlan al resto de estudiantes y Erik, el recién llegado, por sí solo y sin la colaboración de sus compañeros, logra subvertir el orden que hace mucho tiempo se ha establecido.

Se presenta ante los “manda más” de su escuela con una actitud arrogante, desafiándolos sin ningún temor a las represalias. Erik, es a mi parecer, alguna clase de encarnación de super hombre que soporta dolor excesivo, tanto físico como moral, controla su ira, hace poco incontrolable, y en el camino encuentra el amor.

Ondskan nos narra una historia cuyo personaje principal, alrededor del cual gira toda la historia, presenta una estructura demasiado “parca” o por qué no, en términos coloquiales “chapado a la antigua”. Es el típico esquema del héroe norteamericano que batalla por si solo contra las injusticias de la vida y al final, sale avante salvando con sus acciones a medio mundo o, en ocasiones, al mundo entero.

Pero no es esto lo único reprochable de la película, peor aún, es el hecho de que la historia no presenta ninguna clase de subtrama, a excepción de la típica historia de amor imposible, aparte de esa, ninguna otra.

Las únicas secuencias que merece ser destacadas de esta producción, son aquellas en que el director, muy acertadamente, decide concentrar nuestra atención en la madre tocando el piano, mientras su marido golpea a su hijo, como no queriendo enfrentar la verdad, como una mujer que se siente incapacitada de enfrentar aquel doloroso hecho. Pero esto es tan solo un acierto temporal, pues al final, Erik saca fuerzas, literalmente de donde no las tiene, para enfrentar a su padrastro.

Pero también esto era de esperarse, pues el héroe debe resultar victorioso en cada uno de los aspectos jodidos de su vida ¿O no?.

Solo contra sí mismo, una película que, a mi parecer, resulta demasiado aburrida, demasiado común y en absoluto merecedora de grandes premios o nominaciones, pese a que obtuvo la nominación a mejor película extranjera por parte de la academia, aunque esto era de esperarse, al fin y al cabo, la academia es también supremamente aburridora.

Los coristas

2005-07-18T14:34:00.000-05:00

Antes de realizar una crítica, siempre leo un poco lo que otros ya han escrito, críticas de quienes están a favor de la película y aquellas de quienes están en contra. En este caso “Guglié” (acción de buscar en Google.com) “Los coristas” y rápidamente me encuentro con un texto titulado “Con resabios hollywoodenses”. Definitivamente, no encuentro título más propicio para esta producción.

De entrada, e incluso con solo ver los trailers o avances de cine, sabemos que la historia de “Los coristas” no es en absoluto algo novedoso. Recuerda fácilmente a diferentes producciones, todas norteamericanas. Con la llegada del nuevo profesor Clemente Mathieu a una escuela de niños problemáticos, se inicia la narración de un hombre que revoluciona la escuela con sus ideas opuestas al sistema tradicionalista y coercitivo del instituto, esto nos remite de inmediato a “La sociedad de los poetas muertos”.

Del mismo modo, recordamos un poco a Whoopi Goldebrg en “Cambio de hábito 2” en donde, al igual que los coristas, con la música logra hacer de gente “mala muy mala” personas correctas y extremadamente sensibles. Junto a estas dos producciones, también se encuentra “Lean on me” película de inicio de los ochenta con Morgan Freeman, al igual que “Mentes peligrosas” con Michelle Pfeiffer y un muy reconocida banda sonora encabezada por el rapero Coolio.

En Francia, país de origen de esta producción, fue la más taquillera del 2004, recaudando 8,6 millones de entradas y es de esperarse que así sea, al fin y al cabo la película es sumamente fácil de ver. Con un aire agradable, sencilla, una fotografía calida y una banda sonora bonita y muy pegajosa, “Los coristas” resulta extremadamente agradable, más no logra dejar su marca.

El encanto de la película radica en que está bien realizada, pero se encuentra demasiado lejos de dejarnos un recuerdo profundo, elaborado, uno que nos invite al análisis o si quiera a las más mínima reflexión. Sus personajes se sienten muy alejados, resulta casi imposible identificarse con alguno de ellos y sus dramas, demasiado usuales, no logran conmover más allá de un pequeño “Ah”.

Recurriendo a incansablemente a lugares comunes y siempre apuntando a la emotividad, “Los coristas” no es más que una producción hollywoodense hablada en francés. Es una película de Robin Williams pero en su lugar aparece un muy carismático Gérard Jugnot. Es una producción en donde, en lugar de los alumnos sobre sus asientos repitiendo “OH capitán, mi capitán”, se lanzan avioncitos de papel y en la que, desgraciadamente, todo lo que te imaginas que puede suceder, sucede y nada más.

Planta Cuarta

2005-07-11T02:10:00.000-05:00

Cuando se tiene catorce años se piensan en muchos cosas y se ingenia mil formas de pasarla bien. Cuando se está en el cuarto piso de un hospital durante muchos meses, e incluso años, debido a un cáncer, se hace más necesario el ingenio para pasarla bien, para superar la crisis.

Planta cuarta es el relato de tres jóvenes en esta situación, tres jóvenes que lidian con su enfermedad simplemente comportándose como chicos. Está Miguel Ángel, el más joven y travieso de todos; Ezan, el más noble de los tres y Dani, que es quizás el más serio.

En esta historia, el director Antonio Mercero (Muy reconocido por sus trabajos televisivos en España y su largometraje “El bola” entre otros) quiso contarnos el “drama” de unos jóvenes que padecen de cáncer, jóvenes que carecen de una de sus piernas, pero lejos de ser el típico drama que incita a la lagrima, Mercero a optado por narrar esta historia con humor sincero, honesto y aunque a veces resulta un tanto ingenuo, no deja de ser creíble.

La película no se limita al mero sufrimiento de los personajes, no escuchamos quejidos constantes, ni vemos lagrimas rodando cual tragedia griega, todo lo contrario, es por completo una mirada positiva de una situación que evidentemente siempre es trágica para quien la sufre.

Pero el mérito de dicho optimismo no solo se le debe otorgar a su director; quien merece mayor reconocimiento por ello es el guionista que colaboró junto a Mercero en la adaptación de esta historia que en un principio fue una obra teatral, me refiero a Alberto espinosa, quien vivió esta experiencia entre sus catorce y sus dieciocho años.

El personaje de Ezan es quien lo representa dentro de la historia. Espinosa dice no recordar que la vida en la planta cuarta fuera tan dramática como suelen pintarla en otras películas que abordan el mismo tema y es esto lo que precisamente llamó tanto la atención del director, "que ofrece el lado más insólito de la enfermedad, alejado de dramatismos".

Sin embargo el drama también se evidencia, simplemente no es el protagonista de la historia. Y con él, presenciamos diferentes subtramas que refuerzan la credibilidad de la historia, su fluidez; subtramas que, si bien en algunas ocasiones refuerzan la situación dramática de los personajes, también aumentan la conexión que pueda tener el público con ellos, pero esta conexión, o mejor aún, esta identificación, es lograda en su mayoría a través de la risa. Son personas en una situación trágica, pero por encima de eso simplemente intentan sobrevivir y ante todo, pasarla bien haciéndolo.

Nos encontramos con historias secundarias como la amiga anoréxica de Dani en el sexto piso, o el divorcio de los padres de Miguel Ángel. Historias como las de Jorge que es un joven que llega por posibles rastros de cáncer, pero que por fortuna sale bien librado.

También junto al desarrollo de la historia, cabe destacar la actuación de los protagonistas, ante todo la de Miguel Ángel interpretado por Juan José Ballesta, quien ya había trabajado con Mercero en su anterior película “El Bola”. Los demás actores son caras nuevas para el panorama del cine español y mundial, pero no por eso fue poco acertada su participación en esta producción. Todos brindan actuaciones creíbles, honestas, entre otra cantidad posible de adjetivos positivos. Curiosamente, Ballesta, siendo el actor más experimentado, es quien a veces decae en términos de credibilidad, pero al mismo tiempo, y es esto lo más curioso de todo, es también quien brinda la mejor actuación.

Planta cuarta quizás no sea una obra maestra digna de ser recordada durante siglos, quizás no sea un hito importante en la historia cinematográfica mundial, ni si quiera en la española, (siendo sincero, dista mucho de serlo) pero es una película estimuladora, de esas que te hacen pasar un buen rato pero que al mismo tiempo te hace reflexionar aunque sea un poco.

Es sencilla y en absoluto logra ser grandiosa, lo cual es triste siendo que pudo serlo, pero es, en términos coloquiales “animosa”. Levanta el ánimo y nos recuerda que, por desgracia, lo mas difícil de crecer es que “cada vez se hace más y más difícil pasarla bien”.

MIFFO (De confesiones y cosas peores)

2005-07-05T02:00:00.000-05:00

A vísperas de la realización de la cumbre del G8, en donde ocho hombres en un cuarto, debatirán sobre el futuro del mundo y como globalizarlo bajo términos universales, que no es otra cosa que la masificación de sus normas y como a ellos les conviene que se “dirija” el mundo, aparece esta película sueca para demostrar que, por desgracia, los efectos de la globalización hace rato se han venido presentando.

Miffo (titulo original de la película) no es más que una típica comedia romántica gringa, hablada en sueco. No hay mucho por decir de esta producción, cualquiera que haya visto algún trabajo de Meg Ryan, o peor aún, de Drew Barrymore o incluso la mayoría de las películas de Julia Roberts, se verá enfrentado a lo mismo de siempre.

Nos narra la historia de un joven sacerdote que decide trabajar en un pequeño pueblo de Estocolmo, pero al llegar, cae en cuenta que nadie en el pueblo se muestra interesado en la iglesia. Entonces conoce a Carola, una mujer en silla de ruedas que conquista su corazón. Así inicia la historia de amor, que nada tiene que ver con lo que al principio parecía ser una historia de un individuo en búsqueda de una razón para existir.

No solo padece de las típicas situaciones de las comedias románticas norteamericanas, las cuales de por si ya son algo regulares, sino que sus personajes no muestran ni el más mínimo vestigio de unicidad. Nada de lo que hacen o de cómo son los aparta del perfil común de toda serie norte americana, nada de lo que dicen es algo novedoso y ni si quiera invitan a pensar un poco sobre algo. ¿Sobre que? cualquier cosa, no importa lo que sea, pero simplemente no lo hace.

La estructura es, como ya he venido repitiendo, demasiado común, demasiado predecible. Chico encuentra a chica. Chico y chica se enamoran. Chico comete error y pierde a chica. Chico se arrepiente (Normalmente cometiendo algún acto de suma ridiculez) Chica sonríe y adivinen que pasa después… vals nupcial en el fondo.

Con sucesos graciosos, debo admitirlo, pero atosigado de lugares comunes en donde todo resulta predecible; sin temor afirmo que “MIFFO” o “De confesiones y cosas peores”, es una producción de una muy baja calidad creativa, ni si quiera comprendo como tuvo distintas nominaciones en varios festivales.

Y sí, hace mucho que el mundo se ha venido globalizando, de a pocos y sutilmente, el mundo entero se está convirtiendo en una gran masa amorfa cubierta de “igualdad”, un lugar en el que todos diremos Hello para saludar, en el que rezaremos las mismas oraciones a los mismos dioses. Un mundo en donde no habrá espacio para la originalidad y, sin importar de adonde provengan, las producciones artísticas, estarán todas cubierta bajo un mismo velo, tal como lo está esta producción norte americana, perdón, quise decir sueca.

Reconstrucción

2005-06-29T00:07:00.000-05:00

"Esto es ficción. Es una reconstrucción, pero aún así duele". Con esta premisa inicia una de las mejores películas que he ví el año pasado: "Reconstrucción"
Es la opera prima de Cristoff Boe, quién ya ha sido denominado como "la nueva promesa del cine europeo", punto en el cual difiero un poco. Un promesa es algo que se cumplirá en un futuro, pero este joven director, a mi parecer, es ya un genio, creo yo que no debe denominarse "Nueva promesa" sino "Un genio cinematográfico neonato".

Quizás sea muy apresurado o inlcuso arriesgado realizar la anterior afirmación, pero con una obra tan cerca a perfecta como lo es "Reconstrucción" me atrevo a tomar dicho riesgo. Son trabajos como este los que nos recuerdan que frases como "Para ser su primera vez..." solo justifican la mediocridad de unos cuantos. Boe nos recuerda que las primeras veces pueden estar a la altura de mil años de experiencia.

Debo retomar en este punto, el comentario de Mateo Sancho Cardiel sobre la misma película: "Oímos voces de Julio Medem en su desesperado romanticismo, de David Lynch en su capacidad de hacer palpable lo onírico, de Spike Jonze en su capacidad de sorpresa o incluso de Lars Von Trier en su capacidad de pasar del dolor sentido al dolor físico. Y sin embargo, Boe, bebiendo de tantas y tan ilustres fuentes, se revela único, genuino en su creación "

Reconstrucción nos habla de segundas oportunidades, o de terceras, cuartas e incluso quintas, pero nos hace cuestionar si son precisamente eso, oportunidades, o si son simples burlas del destino o de algo mas grande que nos condena a repetir los mismo o errores, o a cometer otros que al final nos llevan a la misma resolución.

La película no se entiende por completo, de ahí la comparación con Lynch, pero eso no perturba en lo más mínimo, todo lo contrario, te mantiene en el filo de tu asiento, siempre ansioso por querer comprender lo que sucede, tornándose de ese modo en un híbrido entre el drama, el surealismo, thriller sicológico y, por qué no, thriller emocional.

Pero quizás lo que más me intriga y me permite identificarme con esta película es la idea de que posiblemente nuestras vidas sean iguales, quizás no debemos esperar comprenderlo todo, simplemente por que no todo existe para serlo. Quizás miles de cosas suceden por que sí. Quizás la videa real, por real que parezca "Sea solo una ficción. Solo una reconstrucción, pero aún así duele".

Garden State

2005-06-23T11:07:00.000-05:00

“Y ahora, ¿qué hacemos?”. Una manera excelente de concluir una historia que no parece tener una trama tan minuciosamente definida, una película cuyo guión no se enmarca dentro de las tres actos específicos de los guiones “hollywoodenses” en los que toda historia tiene un inicio, treinta minutos después se presenta un nudo y en los últimos veinte minutos se muestra el desenlace. No, Garden State resulta un tanto menos convencional y mucho más inteligente.

El director, que a su vez es el guionista y el actor principal de esta película, Zach Braff, quería contar una historia sencilla en la que se abordara con la mayor sinceridad posible las angustias de aquellas personas que no son ya adolescentes, pero que tampoco son ya adultos. Personas en sus “veintitantos” que aún no se hallan del todo, aquellos que todavía tienen un futuro por delante, pero se encuentran ante al momento en el que deben empezar a hacer algo definitivo por ello.

Si bien, no es la primera película en la historia en proponer una historia sencilla con personajes y situaciones en las que fácilmente podemos ubicarnos sin sentir que aquel momento es demasiado elaborado o ficticio, si es un muy buen ejemplo de cómo, en muchas ocasiones, las historias sencillas apelan, con mayor éxito, a nuestro interés.

Podemos reír de las situaciones que nos muestran, pero no mofándonos absurdamente de quienes experimentan la situación, sino de un modo familiar, como si viviéramos lo que observamos. Si bien, muchas situaciones jocosas de la película distan un poco de sucedernos, eso no significa que sean plenamente imposibles de ocurrir, mas bien, se asemejan a esas situaciones que uno piensa que en la vida no ocurren pero que realmente si ocurren, esos momentos bizarros, con gente bizarra, que todos hemos vivido y viviremos en diferentes ocasiones.

Por otro lado, debo reconocer la excelente puesta en escena que crea Braff para relatar una especie de tragedia o drama de un joven confundido, perdido, entre drogas (algunas recetadas otras no tanto), recuerdos dolorosos, situaciones abandonadas y gente abandonada a quien creyó dejar en su pasado. Fácilmente podría haberse convertido en un típico drama norteamericano con clichés fáciles desbordándose en cada toma, pero Zach Braff escogió hacer una forma de comedia, con lo cual nos recuerda, como dice Natalie Portman (coprotagonista) “Uno debe aprender a reírse de sus propias tragedias”.

A su vez, Tiempo de volver (Título absurdo con el que llegó la película a Colombia), nos presenta a personajes muy bien elaborados, personajes con una profunda dimensión sicológica que se revela a partir de pequeños detalles, como la compulsión de Sam (Natalie Portman) por mentir, o la ira de Mark (Peter Sarsgaard) con su madre y su adicción a las drogas, el total aburrimiento y hedonismo de Dave (Alex Burns) o la frustración de Gideon Largeman (Sir. Ian Holm) por no lograr que su familia sea feliz.

También sus aspectos técnicos son muy destacables, excelentes movimientos de cámara, fluidos y muy dicientes y pertinentes; una fotografía muy bella, directamente proporcional a la sencillez de la historia pero visualmente apasionante y muy bien lograda y una musicalización, que además de ser muy apropiada, es supremamente agradable.

Son un número considerable de producciones como éstas, por las cuales se podría afirmarse que, al interior del “cine independiente americano”, se ha venido gestando una especie de “ola”, en la que se encuentran películas sencillas, en las que no parece suceder mucho, pero en realidad sucede demasiado. Películas en las que, afortunadamente, no encontramos ningún Russel Crow acabando con una guerrilla en tres días (A prueba de vida) o un Bruce Willis salvando al mundo de ser destruido por un colosal meteorito (Armagedon).

En esta “Ola” se encuentran títulos tan excelentes y exitosos como “Lost in translatión” (Perdidos en Tokio) de Sofía Coppola, Before Sunset (Antes del atardecer) de Richard Linklater, About Schmidt (Las confesiones de Schmidt), Sideways (Entre Copas) ambas de Alexander Payne, American Splendor (Esplendor Americano) de Roberto Pulcini y claramente Garden State (Tiempo de volver) de Zach Braff.

Son películas que retornan al individuo, películas que, en un mundo en donde todos o casi todos han volteado su mirada a la “masa”, en donde todo se globaliza y por lo tanto “todos somos iguales”, nos recuerdan la importancia de no olvidar que somos seres únicos e irrepetibles y que en nuestras situaciones, tan comunes, tan normales, se libra a diario grandes hazañas, grandes batallas, pese a que el resto del mundo jamás las considere como así.

Esto me recuerda a Tyler Durden (Personaje del club de la pelea interpretado magistralmente por Brad Pitt) en un pequeño monólogo “Nuestra generación no ha experimentado ninguna gran depresión, ninguna gran guerra. Nuestra guerra es una guerra espiritual, nuestra depresión son nuestras propias vidas.” No sé si esté o no en lo cierto, pero considero que siempre hace bien el que algunos artistas evidencien esta clase de situación, en donde la primera guerra a resolver es la propia y solo entonces podremos solucionar lo que está por fuera, si es que aún nos quedan fuerzas.

Jinete de ballenas

2005-06-22T11:09:00.000-05:00

La leyenda cuenta como, hace muchos años atrás, un semidiós de nombre Paikea llegó a tierras vírgenes de Nueva Zelanda montado sobre el lomo de una ballena. Desde entonces, las ballenas han sido para esta cultura, la forma adoptada por parte de sus ancestros y sus dioses, que vienen a cuidar de ellos. Desde entonces cada primogénito nace con la responsabilidad de ser el líder espiritual de su pueblo.

Sobre este relato tradicional de la cultura Maori se basa el segundo largometraje de la directora y guionista Niki Caro, en el que narra la historia de la pequeña Pai, primogénita del semidiós Paikea y nombrada así en su honor. Con tan solo doce años de edad, Pai debe asumir su responsabilidad como líder de su pueblo, el problema es que Pai es una niña y, para esta cultura, los líderes deben ser siempre pertenecientes al sexo masculino.

Pero a nadie parece importarle este factor, de hecho, la tradición cultural de Paikea parece no ser ya relevante para el pueblo de Pai, exceptuando para su abuelo Koro, actual líder que se encuentra desesperado por hallar un precusor, más no acepta que una mujer sea su predecesora, sin importarle lo mucho que quiere a su nieta, quien ante todo, lo que más desea en el mundo, es impresionar a su abuelo, lograr que él la acepte.

En una escena con su padre Pai pregunta por qué su abuelo no la quiere Su padre le contesta, que no es así, que lo que sucede es que su abuelo no solo está buscando un líder, que lo que quiere es un profeta, pero Pai ni si quiera entiende que es ser un profeta. Pero Koro no es un enemigo, es simplemente un ser que, como el mismo dice, “Apenas está aprendiendo a volar”.

La narración de “El jinete de ballenas”, es sencilla pero muy acertada. Se centra en la historia tal cual es, sin ningún artilugio abrumador en su forma que muchas veces resulta innecesario y explota muchas características de la cultura Maori cargando el ambiente de magia, de pasión.

La música refuerza de sobremanera este aire de magia ancestral, aunque son muy pocos los tracks musicales que en ella se encuentran, a mi parecer, su uso es muy acertado, además de estar cargados de gran belleza, se explota aún más las tradiciones de un cultura poco conocida por muchos.

Pero la magia y la pasión perceptible en esta excelente producción, no solo se debe al trabajo de Niki Caro, sino también, y creo yo en especial, a la magistral actuación de la pequeña Pai, interpretada por una joven y bellísima niña Maori Keisha Castle-Hughes.

Por otro lado y a mi parecer, afortunadamente, pese a que la película manifiesta la indudable importancia de la función que ejerce la mujer en la estructura de una civilización, se encuentra muy lejos de convertirse en un drama feminista. Se puede ver manifestada cierta posición crítica ante el machismo, pero esto es medianamente logrado solo a través del personaje del abuelo, siendo él el único que ve un problema en el hecho de que Pai es una niña, los demás personajes la aceptan e incluso le colaboran en la consecución de sus deseos.

Whale Rider nos recuerda la importancia de una buena historia, nos recuerda que no es necesario llenar de grandes escena creadas con una gran parafernalia para llegarnos, para sorprendernos y sentirnos en contacto con lo que nos cuentan, así sea la historia de una tierra que se encuentra a medio mundo de distancia.

Fácilmente podría compararse con el efecto obtenido por parte de la película kosovita “Tierra de nadie”, (En realidad es una coproducción entre seis países), ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera pese a competir con una producción de proporciones tan magnánimas como Amelie. Al igual que la película de Niki Caro, era sencilla en su argumento, pero grande en su destreza narrativa, en su impacto y por ello, indudablemente merecedora de dicho reconocimiento.

En un mundo en constante cambio, en el que resulta excesivamente fácil perderse deambulando de lado a lado, de cultura en cultura, Whale Rider, o El jinete de ballenas, nos recuerda que es necesario mantener firmes las tradiciones de nuestros pueblos, mas no por ello se debe huir del cambio, es simplemente una tarea de adaptarse sin perder lo esencial de la cultura a la que pertenecemos por nacimiento.